🔥 Chevalrex « Mes chansons m’échappent toujours un peu, je fais en sorte qu’elles gardent une forme de mystère pour moi. »

« Suis-je d’ici ou de là-bas ? » nous chante Chevalrex dans son titre « Ophélie suite » à mi-chemin de l’écoute de son nouvel album. D’un ailleurs fantasmé à un quotidien réel, des plages de l’île de La Désirade en Guadeloupe à la métropole rugueuse, s’est construit l’album Providence, quatrième opus d’un auteur de chansons aux charmes tout aussi délicatement biographiques que foudroyant de confessions qui animent l’existence. Soutenu par une multiplicité d’ambiances musicales, du feu endiablé des riffs de guitares à effets et des caisses claires au dépouillement d’un piano ou d’une guitare sèche, Providence a l’évidence exotique d’une carte postale qu’on recevrait d’un alter-ego aventureux.

Rencontre et entretien-fleuve avec Chevalrex, son auteur, pour Piste 1.

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Piste 1 : Salut Chevalrex, c’est un plaisir de pouvoir parler avec toi de ton 4e album Providence que nous avons beaucoup aimé.

Comment abordes-tu cet album ? Depuis ton premier opus Catapulte chaque album semble nous apporter des éléments nouveaux sur toi et sur la manière dont tu ressens les choses pour en faire des chansons. Tu disais sur France Inter cet été que tes albums réalisés jusqu’ici étaient une manière de te dévoiler. Providence a une pochette ensoleillée et on y trouve des chansons aux paroles plus affirmées et définitives. Ce disque, c’est la fin d’un cycle de croissance artistique ?

Chevalrex : Depuis mes débuts, chaque nouveau disque a toujours marqué la fin d’un cycle. Providence n’y échappe pas mais j’ai l’impression avec celui-ci que c’est encore plus flagrant que pour les précédents. Une porte s’est ouverte, je crois qu’après quatre albums je peux désormais me libérer complètement, trouver une nouvelle manière d’appréhender les disques, les mettre en forme.

Je sais sinon rarement à l’avance ce que je vais dévoiler ou ne pas dévoiler dans mes textes. La seule chose qui m’intéresse au fond et me fait être sûr d’une chanson, c’est si elle sonne juste à mes oreilles. Sa justesse. Je n’ai pas d’autre mot. C’est le fait de me retrouver complètement dans ce que j’entends. Quand textes et musiques coïncident avec ce que je suis, que j’ai l’impression que la chanson part vraiment de moi, qu’elle avance en même temps que moi … Comme je change, le point de vue change aussi. Mais il y a, malgré tout, des motifs qui reviennent dans mes textes depuis mes débuts.

Finalement, d’album en album, on peut plutôt parler d’une certaine continuité de création dans ton parcours de chanteur ? Une même recherche d’honnêteté qui te guide à chaque fois pour chaque chanson ?

Les thèmes qui reviennent régulièrement dans mes chansons tournent autour de l‘idée de quitter un endroit, des histoires de séparation, des lieux ou des gens dont on se détache. Ce sont vraiment les motifs que j’évoquais à l’instant, on les retrouve sous pas mal de formes différentes. Sur la dernière chanson du disque « Désirade », par exemple, je chante : “pourquoi avoir peur de partir ?”. J’ai l’impression de chanter cette phrase-là en boucle depuis vingt ans.

D’où, justement, cette impression qu’on a d’écouter quelqu’un qui est en train de grandir, à force d’expérimenter les départs. Sur ton avant-dernier disque Anti slogan, tu parlais également à distance, comme en voyage, à tes parents sur la chanson “Bonjour, c’est moi”.

Cette histoire de famille est très liée à ces motifs autour du départ, de l’éloignement, bien sûr. L’une des chansons que je joue depuis 2004 à tous les concerts et que je n’ai jamais réussi à sortir une seule fois d’un set c’est “Mon hublot”. J’y évoque une sainte-trinité père, mère, frère. Ma famille. Dans le premier couplet, je quitte la planète dans un vaisseau et salue ma mère par le hublot, je dis au revoir à tout le monde en trois couplets. Il y a là l’ADN de plein d’autres chansons que j’ai écrites après.

Je ne saurais dire pourquoi ce thème prend une telle place dans ce que j’écris. Il y a sûrement quelque chose dans le fait d’avoir grandi dans une petite ville de province. J’ai l’impression que c’est quelque chose d’assez universel et qui peuple l’inconscient de pas mal de gens, l’endroit d’où l’on part, où l’on revient ensuite, les gens que l’on quitte …

Tu penses que ce thème du départ donne à ta création une soif de découvertes, en apportant à tes chansons ce côté disons “adolescent”, de quelqu’un qui a tout à découvrir du monde et des gens ?

En tout cas c’est cet élan-là qui me porte souvent, une forme de candeur qui me guide et me donne envie d’écrire. La chose que je recherche quand je fais des chansons et que j’enregistre, c’est trouver une forme de souffle. Quand il est question de quitter ce qui nous ancre, le monde dans lequel on est, et d’échapper à toute forme de contingences, de contraintes. Pour être absolument à l’endroit où je suis, où j’écris, où j’enregistre. Ce sont des choses profondément rattachées à l’enfance, à l’adolescence. Je pense que c’est cet aspect-là après lequel je cours. Et ce n’est pas étranger au fond des textes dont on vient de parler d’ailleurs, aux thèmes de la séparation, du départ : comment échapper à une forme de réalité ?

En même temps, c’est bien dans le réel et dans cette réalité que je fais des disques. C’est cette sorte d’aller-retour avec le réel qui me semble intéressant. Et c’est aussi ce qui m’excite à chaque nouveau disque : trouver un terrain de jeu nouveau qui m’absorbera complètement pendant un temps.

Mon intention n’est pas de cacher des choses mais de ne garder que ce qui me semble révélateur.

Il y a un thème que tu évoques jusqu’ici peu dans tes interviews et qui peut pourtant bien coïncider avec cette thématique de la rupture, c’est l’amour. Il nous a semblé que dans Providence, malgré des éléments voilés ou cachés, il y a beaucoup de chansons d’amour et une passion bien réelle.

Je ne voile pas beaucoup de choses en fait, c’est juste que je n’en dévoile que certaines. Mon intention n’est pas de cacher des choses mais de ne garder que ce qui me semble révélateur.

Il y a en tout cas dans tes paroles beaucoup d’éléments suggérés que nous pensons liés à l’amour. Même si sur la chanson “Tant de fois”, tu sembles également balancer des phrases brutes et radicales.

Le début du disque est pourtant sans équivoque. Dans le morceau d’ouverture “Au Crépuscule”, je ne parle pas d’autre chose que d’amour, et le mot est même clairement prononcé (“aujourd’hui j’affronte pour mon propre compte, l’amour”). “Providence” est une chanson d’amour aussi, à peine déguisée. La pochette du disque est manifeste également par rapport à cela, je ne suis pas tout seul dessus. Et même si Polina est en arrière-plan, elle m’accompagne. Nous nous sommes mariés en février 2020, donc il y a quelque chose autour de cela, une histoire d’amour qui est au cœur du disque, oui.

Une chanson autour de l’amour comme “Dis à ton mec”, sorte de valse amoureuse, est également très différente de ce que tu as pu proposer auparavant.

Il y a deux morceaux dans le disque qui se retrouvent sur la face B et qui sont presque des “exercices de style” pop :  “Dis à ton mec” et “Une rose est une rose”. J’ai l’impression d’avoir déjà écrit ce type de morceaux il y a une bonne dizaine d’années dans le groupe que j’avais avec mon frère (NDLR : Les Frères Nubuck), des chansons à personnages, mais d’avoir un peu mis de côté cette écriture depuis mon premier album en tant que Chevalrex. Pour ces deux titres, j’avais d’abord les idées, j’ai écrit les deux chansons presque comme des exercices autour de personnages. Et donc par rapport à ce que je disais tout à l’heure, sur la volonté d’écrire des choses qui coïncident avec ce que je suis, en laissant venir, sans préméditer, j’ai fait un petit pas de côté. Ce jeu m’a amusé, ça donne un ton un peu différent à cette deuxième partie d’album, une forme un peu plus 60’s et légère.

Ce genre de chanson se prêtait alors parfaitement pour accueillir un duo, celui que tu fais avec Thousand sur “Une rose est une rose”.

Oui et j’aime bien son ambiguïté. Il y a des chansons d’amour sur le disque, il y a une pochette avec avec un homme et une femme mais dans cette chanson, c’est un duo entre deux mecs. Ce qui vient en quelque sorte brouiller le signal, j’aime bien ça aussi… Il y a toujours quelques petites épines comme ça dans mes disques.

On te rassure (rires), tes chansons, même si les thèmes sont parfois équivoques, ne sont pas faciles à décrypter et on y garde souvent une grande part de mystère, notamment dans les histoires qu’elles racontent.

C’est quelque chose dont je me suis souvent défendu en parlant de mes chansons dans le passé. Pendant longtemps, je disais que je ne voulais pas que mes chansons racontent quelque chose de trop précis. J’associais ça à la trop grande tradition de la chanson française, avec pourtant des artistes et chansons que j’aime beaucoup, avec un personnage qu’on suit du début à la fin d’un titre. Je ne fonctionne pas vraiment comme ça en terme d’écriture mais je crois aujourd’hui que cette façon d’aborder les choses me faisait surtout un peu peur. Aujourd’hui je suis bien plus tranquille avec cette question, mes chansons racontent parfois des choses très précises. C’est au final surtout la question de l’interprétation qui est importante et doit rester ouverte je crois.

Je pense à une chanson comme “La Tombe de Jim” : on peut lui faire raconter beaucoup de choses. Pour moi, c’est une chanson de deuil et de reconstruction, c’est ce qui m’a guidé dans l’écriture. Mais ça reste très ouvert au niveau du sens. J’ai d’ailleurs eu pas mal de retours de gens qui m’ont écrit des choses très touchantes à son sujet. J’ai l’impression que le prénom “Jim” invite à pas mal de projections. Moi-même, je n’ai pas exactement tranché sur qui est ce Jim, et à vrai dire ça ne m’intéresse pas tant que ça de savoir. Beaucoup y projettent leur histoire, leur imaginaire, et je trouve ça très bien. Si j’avais décidé que Jim était une personne réellement identifiée, Jim Morrison par exemple, l’imagination suscitée par la chanson serait bloquée aussi net.

Quand on a entendu “La Tombe de Jim” pour la première fois, on a de notre côté pensé à “La Ballade de Jim” de Souchon. Jim serait mort d’amour après son séjour à l’hôpital, et on pourrait alors venir se recueillir sur sa tombe …

C’est ça que je trouve intéressant, que chacun connecte ce prénom à un Jim en particulier. On m’a aussi parlé d’un héros de BD des années 50. Plein d’autres figures “pop”. En l’occurrence j’aime bien Alain Souchon, la “Ballade de Jim”, je l’ai entendu à la radio enfant, mais je ne me suis jamais réellement arrêté dessus. Je n’ai donc pas pensé une seule minute à cette chanson. Je pensais davantage au “Jim” de Jean-Louis Murat, Jim Harrison, je pensais à différentes choses, et ça m’allait bien comme ça.

Tout échappe toujours aux intentions initiales. L’essentiel, c’est qu’il y ait rencontre.

Tu aimes cet aspect-là de l’écriture ? Déposer un mot, un prénom ici en l’occurrence, et voir tout ce que cela va évoquer aux gens ?

On ne peut jamais savoir ce que ça va évoquer. Même en dehors de l’écriture de chanson, quand tu rencontres quelqu’un par exemple, on ne sait jamais les choses qui vont entrer en écho ou non avec l’autre. Ce sont souvent des malentendus. Tout échappe toujours aux intentions initiales. L’essentiel, c’est qu’il y ait rencontre.

Je suis toujours très flatté quand les gens me disent qu’une chanson leur plaît, leur parle, mais je suis souvent dépassé par les raisons, ce qui est très bien. Elles sont souvent liées à leur vie à eux. J’écris des chansons que les gens reçoivent comme ils veulent.

Mes chansons m’échappent toujours un peu quand je les écris. Je fais en tout cas toujours en sorte qu’elles gardent une forme de mystère pour moi.

“De la peur au courage, de la crainte à l’imprudence il n’y a que toi pour estimer la pente” : en tout cas on a l’impression que la personne désignée par le narrateur se cherche, et aspire à une sorte de libération.

Quand j’ai écrit “La Tombe de Jim”, j’avais ce titre en tête avant la musique mais je n’étais pas arrêté sur ce que je voulais raconter à travers ce titre. Et ce que j’aime bien finalement dans cette chanson, c’est à la fois que son texte soit très ouvert et que sa forme musicale soit très claire. Même si j’ai l’impression que je n’écris pas ou ne compose pas de manière très classique, il y a toujours dans mes disques une ou deux chansons identifiables à des chansons plus classiques. J’aime bien courir après ces formes-là, mais toutes les chansons ne s’y prêtent pas. Mes formes sont toujours assez mouvantes finalement.

Cette chanson-là, quand elle est apparue, s’est écrite très vite. J’étais content de la rencontre entre ce texte assez sombre et cette musique très précise qui soutient la voix et lui permet de prendre de l’ampleur.

Quand tu dis cela, on pense à la chanson “La Nuit Je Mens” de Bashung, à sa mélodie très efficace et ses paroles également très vaporeuses où chacun trouve son propre sens.

Ce qui est génial dans cette chanson de Bashung, c’est que sans en avoir l’air, avec un texte aux images incroyables, elle se fonde sur l’histoire de la Résistance. Si elle avait été présentée sous ce prisme-là au moment de sa sortie, elle n’aurait certainement pas intéressé grand monde. Et en même temps, c’est passionnant que cette chanson repose sur cet inconscient collectif : les résistants, les voies ferrées, le Vercors …

On a longuement parlé des thèmes de la fuite et du départ qui parcourent ton œuvre. Dans tes chansons, tu convoques une multitude d’ambiances différentes, notamment par les bruitages que tu y apportes. Je pense tout particulièrement à ces chants d’oiseaux, qui apparaissent dans Providence sur les chansons “Ophélie” ou “Mauvais Départ”. Tu te crées finalement déjà un ailleurs avec ces différentes ambiances sonores, un ailleurs qui ne correspond pas à l’endroit où tu vis ?

Oui, et il y a deux choses paradoxales à dire là-dessus. Tous les sons d’ambiance que j’ai toujours mis à droite ou à gauche dans mes disques ont toujours été enregistrés dans des endroits où j’étais. Sur mon premier album Catapulte, les oiseaux qu’on entend dans le titre “Mariage Tahitien” ont été enregistrés en prise directe. Après coup, ce paysage sonore vient créer un décalage avec le réel mais c’est pourtant bien pour ancrer mes chansons dans le réel que ces ambiances sont intéressantes ! Et donc cela vient à l’inverse de ce que tu soulignes. J’ai envie de faire entrer de la réalité dans mes chansons. De temps en temps, j’enregistre ainsi des ambiances dans la rue, dans la nature, je sais toujours qu’elles ressortiront quelque part.

Avec ces bruits pourtant enregistrés dans ton quotidien et qui évoquent un ailleurs plus exotique, ta pochette d’album ensoleillée au cadre tropical, on peut dire que tu trompes ton monde ?

Je suis content de cette pochette pour cette raison. C’est un peu la même vocation que les ambiances sonores : créer un espace entre réel et imaginaire. Cette pochette donne aussi au disque un abord très ouvert, comme une forme d’invitation, un endroit lumineux qu’on reconnaît instantanément. On n’est pourtant pas exactement dans un disque tropical et ensoleillé. Le fond du disque est même, je le crois, plutôt sombre mais le point d’équilibre entre la pochette et les chansons est intéressant. C’est le parti pris inverse de Futurisme (NDLR : le deuxième album de Chevalrex) à la pochette sombre, noir et rouge. Il y avait une vraie volonté d’ouvrir la porte en faisant cette pochette …

Pendant longtemps, j’ai eu le fantasme de faire un disque uniquement intimiste ou un autre uniquement pop. Mais les deux font partie de moi.

C’est un aspect qui revient souvent concernant tes influences : tu as beaucoup écouté les artistes du label Lithium. Tu as l’impression de prendre leur continuité dans ta démarche artistique assez introspective ? En écoutant des artistes du label Lithium, on a en effet souvent l’impression d’entendre les ressentis d’une personne seule face au monde, et qui écrit des chansons à partir de cette matière première.

Oui, le point de départ est souvent cela. J’avais eu une discussion il y a quelques années avec Vincent Chauvier, le fondateur du label Lithium. Le label s’était arrêté en 2004, et je lui avais posé la question de comment il aurait imaginé la suite de son catalogue s’il n’avait pas arrêté. Qu’est ce qui lui aurait semblé intéressant à affirmer ? Et il m’avait dit, alors que Lithium travaillait avec des groupes relativement radicaux, aux textes très sombres, personnels et forts, qu’il aurait aimé que l’ensemble puisse prendre un maximum de lumière. Et il avait évoqué les Rita Mitsouko. Un groupe étrange, singulier, mais extrêmement coloré et populaire. J’avais trouvé ça super intéressant.

Cette possible ouverture à la lumière, pour moi qui suis plutôt quelqu’un d’optimiste, qui aime vivre en tout cas, est très intéressante.

J’ai toujours oscillé entre deux directions. Pendant longtemps je trouvais contradictoire de vouloir créer des formes ouvertes vers l’extérieur, très lumineuses, et d’autre plus intérieures, assez sombres. L’une ou l’autre me posait problème selon les jours. Aller vers la lumière et écrire des chansons pop, dynamiques ou écrire des chansons lunaires, plus intimes, comme si il fallait choisir, trancher. En fait, sur tous les disques que j’ai fait, il y a toujours eu ces deux directions. Pendant longtemps, j’ai eu le fantasme de faire un disque uniquement intimiste ou un autre uniquement pop. Mais les deux font partie de moi. Je n’ai pas à choisir au fond.

On le ressent bien sur le disque avec des titres comme “Ophélie”, “Mauvais Départ” au ton plus intime et des titres plus pop comme “Dis à ton mec” ou “Monarchie”.

Il n’est pas impossible qu’un jour je tente l’expérience d’un disque qui aille uniquement dans une direction. Ça pourrait être un défi, j’aime les disques “monolithiques” que j’écoute de la piste 1 jusqu’à la piste 12, et où on ne vient pas m’embêter avec des trucs qui viennent changer mon humeur au milieu. Et quand Vincent (NDLR : Vincent Chauvier fondateur du label Lithium) m’a parlé de cette histoire de « lumière » pour Lithium, je me suis dit : “c’est intéressant parce qu’en fait on aspire tous à quelque chose de différent, il est toujours question de changer, avancer… quel que soit le regard que portent les autres sur notre travail.”  

L’équipe qui t’accompagne sur le disque est la même que sur Anti-Slogan : Mocke, Olivier Marguerit, Steffen Charon et Sylvain Joasson. Dans les critiques de cet avant-dernier album, on avait souligné le fait qu’amener des musiciens extérieurs à l’enregistrement permettait à tes chansons d’avoir un aspect beaucoup plus ouvert. Penses-tu que sur Providence, ce même effet a été apporté ? Et par la suite,  envisages-tu de revenir à un mode de composition plus personnel ?

Mocke je le connais très bien depuis quelques années, Olivier et Sylvain je les connaissais moins mais je connaissais leur travail, c’est la raison pour laquelle je les avais sollicité au moment d’Anti Slogan. Au final, ce n’est pas surprenant que la rencontre opère. Ayant la capacité de faire pas mal de choses seul, je ne me serais pas forcé si ça n’avait pas marché.

Le point de départ sur tous mes disques a toujours été un peu le même sauf qu’avant, je ne faisais aucune maquette, je finalisais tout de suite les choses comme je pouvais. Sur mon deuxième album Futurisme, les maquettes ont été “augmentées” par le mix. Sur mon avant-dernier, Anti-Slogan, le fait que les musiciens jouent en groupe sur les maquettes avait permis de faire des choix plus librement sur ce qu’il y avait de mieux à garder dans le mix. Ça avait vraiment permis de clarifier le signal.

Providence a été une synthèse de tout cela, il y a eu à la fois plus de home studio et plus de sessions de groupe. On a passé pas mal de temps dans le studio de mix. Du coup il y a eu une espèce de “tambouille”, c’est un mot qui se prête bien à ce que je fais quand je suis tout seul.

Pour la suite, j’ai envie de revenir à une conception de disque plus solitaire, pas forcément dans une logique de contrepoint ou de réaction. Mais lors de la conception de Anti-Slogan et de Providence j’ai appris plein de choses et je me dis que lorsque je me retrouverai seul, il en sortira forcément des choses nouvelles et intéressantes.

« Puisque je chante il serait temps, que vous sachiez sans préambule, une heure au moins une heure ou cent, que dans mon corps les particules, de mes artères à mes poumons, sans Ophélie n’ont plus de nom. »

Extrait des paroles de la chanson Ophélie par Chevalrex

On aperçoit le nom d’Yves Simon dans la présentation de ton album et tu as eu l’occasion de reprendre sa chanson “Raconte-toi” en live sur France Inter cet été. Cette chanson évoque entre autres l’envie  de prendre une feuille et d’y livrer ses confidences. Cela rappelle ici encore ton écriture, notamment dans le titre “Ophélie suite” où tu chantes “Puisque je chante, il serait, temps, que vous sachiez sans préambule …” Sur ta pochette, il y également  un fragment d’un poème du russe Ossip Mandelstam :  « Il est temps que vous le sachiez : je suis un contemporain, comme vous. »

Quand j’ai vu ce poème avec cette phrase, ces mots m’ont directement percé le cœur. Je me suis dit alors que ça allait être le début d’une chanson. Et ça a déclenché le texte de “Ophélie”.

“Raconte-toi” d’Yves Simon, je l’ai écoutée pour la première fois quand j’avais 17,18 ans. Il y a des chansons avec lesquelles on a des histoires depuis longtemps mais qui mettent du temps à se révéler. Ce disque appartenait à mon frère je crois. Je regardais alors Yves Simon sur la pochette. C’était le sosie de mon père à la même époque ! (rires) Plus tard, mon frère m’a fait écouter cette chanson-titre en me faisant croire que c’était la chanson d’un copain… et j’y ai cru !

Malgré toutes ces raisons familières extérieures à la chanson elle-même, quand je l’ai réentendue il y a deux ans, j’ai été frappé, j’avais l’impression qu’elle m’était adressée.

Ça prend tout son sens que Chevalrex reprenne Yves Simon finalement, tu ne trouves pas ?

Après Anti slogan, pour une promo on m’avait demandé de faire une reprise. Je suis toujours un peu démuni là-dessus car je n’ai pas une pratique régulière de la reprise et des envies très diverses. On avait alors fait une reprise de la chanson “Portofino”, un morceau de Dalida que j’adore. C’était très cool mais j’avais à chaque fois l’impression d’être quelqu’un d’autre en la chantant. C’était agréable et en même temps ça m’agaçait un peu. Je trouvais que cette reprise n’était pas nette. Alors que sur “Raconte-toi” d’Yves Simon, c’était limpide.

La chose contre laquelle je lutte, c’est le doute. […] Certaines de mes chansons arrivent sans trop de complication. D’autres s’écrivent plutôt sur deux ans.

Quand tu écris une chanson, à quel moment te dis-tu qu’elle est aboutie et prête à être défendue ?

La chose contre laquelle je lutte, c’est le doute. Auteur-compositeur, ce n’est ni plus ni moins que faire des choix. Tu as des auteurs qui écrivent plein de trucs mais qui ne savent pas s’arrêter.

Certaines de mes chansons arrivent sans trop de complication. D’autres s’écrivent plutôt sur deux ans. Ce sont alors des pages entières de carnets avec des textes rayés de tous les côtés… Les mots traversent les différents carnets et au bout d’un moment, le texte n’est plus rayé, et je me dis : “ça y est, c’est bon”.

Et ces chansons finies doivent avoir principalement quelles qualités pour toi ?

Je ne saurais trop dire pour les qualités. En fait c’est vraiment la musique et le texte. Je crois que j’ai une exigence sur les deux. Il faut que je sente que je suis allé au bout des deux aspects. En fait je pourrais très bien ne faire que de la musique instrumentale ou uniquement écrire et y trouver satisfaction aussi. Mais concernant une chanson, il faut atteindre le moment où les deux arrivent à un point d’aboutissement et s’imbriquent parfaitement. Il y a parfois des textes dont je suis content mais qui ne fonctionnent pas avec la musique et inversement.

Et d’ailleurs on se pose souvent la question de l’insertion des paroles avec la musique, notamment lors du mixage. Il y a cet arbitrage là à faire aussi entre les deux.

Pendant très longtemps je considérais que c’était de la musique avant tout. J’écoutais pas mal de musique anglo-saxonne, je n’étais pas très attaché à l’intelligibilité des textes. Pourtant, je n’ai jamais écrit des trucs à la va-vite, mais je me disais que je faisais de la musique avant tout.

Sur ce disque, j’ai l’impression d’assumer plus les textes et ma voix que sur les précédents. J’ai toujours assumé à 200% la musique avec de longs passages instrumentaux etc… Là, Providence est vraiment le disque de chansons que j’aspirais à faire. Et du coup en termes de mix, la voix est plus mise en avant, je lui ai laissé davantage d’espace au niveau des orchestrations.

Pour finir, notre “tribune libre” habituelle : peux-tu nous parler d’une chanson francophone que tu as envie de partager pour conclure cette interview ?

Ça fera le lien entre pas mal de choses qu’on a évoquées, c’est une chanson immense dans tous les sens du terme : 1983 (Barbara) de Mendelson.

Merci beaucoup à toi pour ton temps ! C’était super de pouvoir discuter de Providence.

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Chevalrex _x Providence _x paru le 22 janvier 2021 (Vietnam Label)

TRACKLIST :

1. Au Crépuscule
2. Providence
3. Tant de fois
4. La tombe de Jim
5. Ophélie
6. Ophélie suite
7. Monarchie
8. L’endroit d’où je parle
9. Dis à ton mec
10. Une rose est une rose (feat. Thousand)
11. Mauvais départ
12. Désirade

https://www.chevalrex.net/

https://chevalrex.bandcamp.com/album/providence

https://www.instagram.com/chevalrex/?hl=fr

Propos recueillis par Ryme et Simdo
Remerciements à Chevalrex